Ver o no ver: 'The Perfect Match' en Netflix, una comedia romántica que presenta a la exestrella de Nickelodeon Victoria Justice y al galán de 'Sex/Life' Adam Demo.
Mírala o no la veas: 'Respect' en Amazon Prime Video, donde Jennifer Hudson protagoniza la decepcionante biografía de Aretha Franklin.
¿Te gusta o no?: 'Gamestop: Rise of the Gamers' en Hulu, un documental divertidísimo en el que los desvalidos derrocan a gigantes malvados.
Míralo o no lo veas: 'Elon Musk Crash Course' en FX/Hulu, el NY Times publica documentación sobre los problemas de la tecnología de conducción autónoma de Tesla.
Ver o no ver: Los pecados de los amish en Peacock, una serie documental sobre el abuso sexual crónico dentro de la comunidad amish.
Míralo o no lo veas: 'Look at me: XXXTentacion' en Hulu, un documental sobre la vida y la meteórica carrera del fallecido rapero.
“Randy Rhoads: Reflexiones sobre un ícono de la guitarra” examina la corta vida y el enorme impacto del guitarrista original de Ozzy Osbourne.
Mírala o no la veas: 'Teen Titans Go! & DC Super Hero Girls: Mayhem in the Multiverse' en VOD, una película crossover masiva con aproximadamente 1 millón de personajes.
Mírala o no la veas: Sonic the Hedgehog 2 en Paramount+, una secuela más atractiva y ruidosa con más franquicias y menos risas.
Final de 'We Own the City' explicado: Jon Bernthal, David Simon y otros responden a tus preguntas más apremiantes.
Joy Behar critica duramente a Sara Haines en una acalorada conversación sobre el control de armas y sus "opiniones": "¡Basta de salud mental!"
El Festival de Cine de Cannes de este año, el primer año del festival de cine más admirado del planeta, ha producido muchas cosas buenas y pequeñas joyas preciosas, y elijo atribuir esta insignificancia al cuello de botella inverso de COVID, que suspendió la producción de 2020. Ahora se están reanudando. Para su humilde crítico, una lista aparentemente de primera línea puede haber producido una obra maestra (te estoy mirando a ti, la era apocalíptica de James Gray) y múltiples fracasos que van más allá de la mera mala calidad y se acercan a un ataque moral (aunque el drama sobre el sufrimiento negro Tori y Lokita y el thriller sobre el asesinato de una trabajadora sexual Holy Spider inexplicablemente tienen sus partidarios). Tradicionalmente, estos premios se otorgan a las películas equivocadas, con la sátira de base amplia de Ruben Östlund, El triángulo de las penas, en 2017 con The Square. Entre las proyecciones más aterradoras de un festival de cine mediocre, estoy seguro de que el próximo año traerá sin duda éxitos de taquilla de directores de peso pesado.
Pero no sirve de nada quejarse, no cuando puedes contemplar pensativo las olas de zafiro del Mediterráneo por la mañana, y tratar de no hacer el ridículo mientras socializas en una fiesta con Julianne Moore por la noche. En cuanto a la película en sí, las proyecciones paralelas ofrecen momentos destacados de mayor calidad de lo habitual, como un viaje asombroso al interior del cuerpo humano (no estoy hablando de la última película de David Cronenberg, aunque no lo creas) y una inmersión en la silueta psicológica en una fantasía exuberante. Algunas de las aproximadamente doce películas que aparecen a continuación ya han conseguido un acuerdo de distribución en cines en los EE. UU. y se estrenarán en 2022; Otros aún no han sido seleccionados y podrían ser grandes éxitos en el frenesí de ofertas posteriores a las fiestas. (Te sorprendería la cantidad de las mejores adquisiciones extranjeras de Netflix que causan sensación en el Palais des Festivals por primera vez). Sigue leyendo para ver un desglose de los 12 estrenos más prometedores del soleado sur de Francia, donde los mejores Aprovecha bien el tiempo que pasas sentado en casa, en la oscuridad, durante horas seguidas.
Después de llevar los problemas de papá al borde del universo en "Astra", James Gray centra su atención en padres e hijos en un registro personal más sólido e inmediato mientras escribe para esta memoria ficticia, una de sus obras más conmovedoras, recreando las películas de Nueva York de su infancia en quién sabe cuánto tiempo. El joven judío Paul Graff (Michael Banks Repeta, bastante descubierto) sueña con convertir algún día su grafiti de nave espacial en una gran figura del mundo del arte, pero los desafíos de la vida cotidiana lo mantienen ocupado: padres (Anne Hathaway y Jeremy Strong, ambos en su mejor momento) que quieren que descanse en la escuela, un querido abuelo (Anthony Hopkins) que tiene mala salud y se traslada a una universidad privada con nerds de Reagan. Gray lo representa todo con gran detalle (él y su equipo construyeron una réplica a escala de su antigua casa en el estudio de grabación usando películas caseras y fotos antiguas), más conmovedor que el desgarrador monólogo debido a su intimidad. El sexo es más conmovedor que los desgarradores monólogos. Es como fisgonear en el recuerdo de otra persona.
Fundamentalmente, sin embargo, Gray ve las decisiones de su mini-yo a través de los ojos claros de los adultos. El núcleo moral de la película gira en torno a la clase social: cómo afecta a Paul de maneras sutiles que él no puede comprender, y cómo sus padres lo afectan de maneras que prefieren ignorar o racionalizar. La amistad de Paul con una compañera de clase negra (Jaylin Webb) es dulce e ingenua, hasta que las circunstancias tan diferentes de sus vidas los empujan en direcciones opuestas, y la aparente culpa de Gray sugiere que este desacuerdo puede no ser tan pasivo. En cuanto a los padres, están constantemente sopesando sus principios y sus prácticas, abandonando las escuelas públicas que afirman no ser superiores y menospreciando a aquellas a las que dicen apoyar. Gray se niega a borrar las inquietantes arrugas de un pasado imperfecto, y la honestidad es la clave de la hermosa verdad en cada fotograma de este recorrido por el rastro de la memoria, observado con claridad.
Como el título más popular del festival, el regreso de David Cronenberg a su reino del horror corporal se siente como un regreso en un sentido más amplio: un gran hombre nacido del Monte Olimpo Artista, recordando cómo lo hacen todos estos impostores y farsantes. Viggo Mortensen y Léa Seydoux interpretan a un par de artistas performáticos con una actuación espeluznante: ella manipula el control remoto de una máquina quirúrgica, abriendo la puerta a espectadores con batas y esmóquines, extrayendo los nuevos y horribles órganos que su cuerpo ha producido. Síndrome de Evolución Acelerada. Como la primera película de artista no metafórica de Cronenberg, es a la vez tentador y satisfactorio proyectar su propia visión del statu quo del cine degenerado de té débil en sus personajes y sus posiciones (¡muchos de sus oídos injertados ni siquiera pueden oír!) Imitadores permanentes vendiendo copias de su estilo.
Pero incluso después de un paréntesis de ocho años, Cronenberg sigue tomando clases solo. Sus métodos se están volviendo más extraños y se alejan cada vez más del rango de géneros convencionales en los que algunos fanáticos quieren que encaje. Todos (especialmente la bromista Timlin de Kristen Stewart) hablan con frases barrocas o pasajes teóricos; "Contagio, ¿qué les pasa?" es un favorito instantáneo. La textura de la película tiene un brillo plástico reflectante antinatural, adecuado para una escena inicial con un niño comiendo en una papelera. El mundo del mañana está literal y mentalmente desnutrido, las playas griegas están llenas de barcos oxidados con un ligero sabor distópico, y los materiales sintéticos son nuestra fuente última de alimento. Increíblemente, Cronenberg estaba profundizando en la vida real al escribir este guion antes de su reciente artículo en The Guardian sobre microplásticos, pero sus predicciones solo se volverán más potentes a medida que el planeta se desliza más hacia sus años ocasos. En cambio, podría seguir adelante para siempre.
Hablando de cuerpos y del aterrador potencial de que se comporten mal de maneras impredecibles y repugnantes: Este documental del Laboratorio de Etnografía Sensorial de Harvard (que nos trae el viaje de pesca en aguas profundas Leviatán) Una mirada sin precedentes al resbaladizo y viscoso país de las maravillas que damos por sentado todos los días en varios hospitales de París. Los directores Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor facilitan el desarrollo de nuevas cámaras en miniatura capaces de capturar imágenes de mayor fidelidad del intestino delgado y la luz rectal, discriminando la diferencia entre la geometría vanguardista pura y la intensidad visceral que escapa al teatro. Sí, nunca podrás olvidar la escena de la sonda uretral donde una larga varilla de metal se pone en "modo Kalashnikov" y se estrella contra la uretra de una persona, o ver una aguja perforar el iris del hombre más valiente que jamás haya limpiado globos oculares en la Tierra. Pero si eres como yo, que vas a cada nueva película buscando mostrar algo que nunca antes hayas visto, no hay mejor garantía que eso.
Además, no es solo una simple y burda explotación. Aprendimos que las funciones del hospital en sí son tan complejas e interconectadas como el cuerpo humano, con varios órganos trabajando en armonía. Durante la estimulación de la próstata, escuchamos a un cirujano regañando a sus enfermeras y asistentes por problemas que escapan a su control, un guiño a los problemas de financiación y personal insuficientes que tanto preocupan a los estadounidenses en este momento. Paravel y Castaing-Taylor mostraron un gran interés en las actividades básicas de estas grandes instituciones, con las imágenes más emocionantes provenientes de un POV de una cápsula de transferencia de archivos que viaja a través de una red de tubos neumáticos que cruzan el edificio a velocidad warp. La secuencia final de baile, perfectamente ambientada con "I'll Survive", es como un tributo a lo que una persona común piensa de la clase trabajadora, como su propio corazón latiendo involuntariamente, que es invisible para la continuación de la vida Esencial hasta que nos detenemos y pensamos en lo asombroso que es que podamos seguir adelante.
EO (pronunciado ee-aw, te recomiendo encarecidamente que lo digas en voz alta varias veces) es un burro y, bueno, un chico muy bueno. La primera película en siete años del gurú polaco de 84 años, Jerzy Skolimowski, sigue al burro que no se rinde mientras hace cosas en el campo, sobreviviendo principalmente y presenciando la prueba. Si esto suena como una parodia de la profunda sofisticación de la academia de arte europea (después de todo, es una libre nueva versión del clásico de 1966 Au Hasard Balthazar), no te desanimes por el frío minimalismo. Es un verdadero festín, tan relajante y meditativo como el lago helado, con una toma asombrosa colgando boca abajo, que transforma los árboles en rascacielos de reflejos intensos. Un juego de cámara expresivo e impresionante anima esta maravilla de 88 minutos, intercalado regularmente con luces estroboscópicas al estilo EDM y experimentos descabellados.
Nadie subestima el encanto básico de la estrella de cuatro patas, unida por seis actores animales en su pureza sin adornos, semejante a la de Cristo. EO come zanahorias. EO se encuentra con unos hooligans del fútbol que creen que la hierba que lo llena de cerveza y escopetas será un gas venenoso. ¡EO mató a un hombre! (Aquí viene. Ningún jurado lo condenará). Es difícil no amar a EO, o dedicarse a las desventuras del vagabundo donde deambula principalmente como un observador distante. Tomados en conjunto, los diversos episodios de la película pintan un cuadro de Polonia en una crisis espiritual, desde la irreprochable Isabelle Huppert como una madrastra cachonda hasta un sacerdote inesperadamente despedido manifestado. Pero es igualmente fácil deleitarse con la energía tranquilizadora que emana de nuestro nuevo héroe burro, y el paisaje natural por el que nos guía lenta pero seguramente. Para siempre EO.
Después de recibir elogios de la crítica y miles de fans por su trabajo en "Normal", Paul Mezcal ha protagonizado Anna Ross Holmer y Sarah Davis desde 2016. , la primera película poco conocida desde The Fits hace un argumento convincente para su propio estatus de estrella de cine. Con un encanto desenfadado, el pródigo Bryan de Mezcal esconde cosas desagradables debajo mientras regresa al pueblo pesquero irlandés que abandonó hace años para un nuevo comienzo en Australia. Quería volver al negocio de la recolección de ostras del pueblo dominado por la fábrica de mariscos local, así que persuadió a su madre que trabajaba allí (Emily Watson, que dio un gran espectáculo en el festival) para que diseñara algunas para su uso. Ella confía en que él no puede hacer nada malo y está feliz de aceptar su pequeño plan, su ligera relajación de la moral que pronto se pondrá a prueba por apuestas más altas.
Entonces sucedió algo horrible, que es mejor mantener en secreto, enfrentando a las dos estrellas entre sí en una muestra de actuación inusualmente profunda, con Watson brillando mientras sospecha que preferiría comérselo. Davies y Holmer (el devastador guion de Shane Crowley y Fodhla Cronin O'Reilly guió su impresión de Irlanda) dejaron que la presión osmótica aumentara y aumentara hasta una intensidad insoportable, ardiendo en un clímax impactante, que nos deja con preguntas inquietantes sobre cómo nos comportaríamos en la misma situación. Mientras tanto, podemos disfrutar de la magnífica cinematografía de Chayse Irvin, que encuentra ingeniosas fuentes de luz en muchas escenas nocturnas y un brillo áspero en la luz gris del día. Hace todo lo posible por filmar todas las aguas ominosas e inhóspitas que giran alrededor de este drama moral, un vacío negro como la noche que se extiende hasta el infinito, como las profundidades del alma humana, sin compromiso ni piedad.
Sería una tontería que Netflix no se hiciera con el debut como director de Lee Jung-jae, conocido por protagonizar su éxito de taquilla "Squid Game". (¡Ponlo en tu tubo de Sinergia Algorítmica y fúmatelo!) Ambicioso, sinuoso, histéricamente violento, toca muchos de los botones que Big Red N adora en sus otras producciones originales posteriores, y usa una escala lo suficientemente grande, magnífica, para explotar la pequeña pantalla en la que algún día podría vivir. La épica de espionaje se desarrolla en un momento particularmente tumultuoso de la historia de Corea del Sur, cuando una dictadura militar reprimió a los manifestantes y sus cráneos, y las tensiones volvieron a estallar con su hostil vecino del norte. En medio del caos, se desató un juego del gato y el ratón dentro de la CIA de Corea del Sur, con el jefe del departamento exterior (Lee Jung-jae, que también está en servicio) y el jefe del departamento nacional (Jung Woo-sung, que ya ha aparecido en una situación similar) en el drama web "Steel Rain” e Irán: La Brigada del Lobo) compiten por descubrir a los infiltrados que ambos creen que se esconden en el equipo contrario.
Mientras su investigación recorre una serie de pistas falsas y callejones sin salida, culminando en un complot para asesinar a un presidente, dos agentes de élite intercambian ideas para alcanzar un nivel de poder absoluto. No puedo enfatizar lo suficiente la enorme cantidad de muertes en las dos horas y media que dura la película, como si Lee estuviera obligado por contrato a hacer explotar al menos a 25 personas en cada escena. Orquesta estas sinfonías de carnicería con maestría de la vieja escuela, manteniendo los efectos especiales al mínimo y maximizando los paquetes de petardos en cantidades tales que la industria sigue siendo rentable durante años. Los guiones laberínticos exigen toda tu atención, y las exigencias de duración son muy altas, pero aquellos que no se dejen abrumar por la complejidad pueden saborear las muestras inusualmente crudas de las películas de espías. (Y aquellos que se pierden aún pueden bañarse en sangre).
Es una película realmente extraña, hombre: el próximo documental de Brett Morgan para HBO sobre David Bowie ni siquiera cabe en esta simple descripción, es más como un collage rápido de imágenes y referencias, como un sistema solar girando alrededor de un El músico más fascinante de la historia. Los primeros minutos pasan a través de una serie de collages de clips que presentan no solo al alienígena del art-rock en sí, sino cualquier indicio que pueda darnos todo su indescriptible trasfondo gestalt. Además del video "Ashes to Ashes" o la presentación en vivo de "All the Young Dudes", también podemos capturar indicios de clásicos del cine mudo como Nosferatu (un forastero larguirucho temido por los cuadrados comunes), Metropolis (un Bowie en Berlín Minimalismo industrial alemán favorecido por la época), o Dr. Mabus el jugador (otro artefacto de Weimar sobre un hombre que puede lanzar un hechizo a su audiencia). Incluso si estas conexiones parecen frágiles, podemos hacerlas significativas y obtener cualquier idea que derivemos de estas pruebas de Rorschach de la cultura pop.
A medida que la película avanza a través de sus ciertamente largas dos horas y media, pasa de lo experimental a lo rutinario. La primera hora se centra en temas generales como la bisexualidad de Bowie o su sensibilidad sartorial, y el resto está organizado cronológicamente, llevándonos a través de sus estancias en Los Ángeles y Alemania Occidental, su relación con la supermodelo de un solo nombre Iman, su matrimonio y su punto de inflexión en los 90 fue el populismo. (Su coqueteo con la cocaína se omite respetuosamente). Estas secciones proporcionan un curso intensivo útil para los novatos de Bowie, y para aquellos que ya son expertos, es una revisión de algunas de las salchichas heladas que hace buenas décadas. La cobertura completa de 5 años de Morgan sobre una estrella de rock no tiene muchas revelaciones importantes, pero las formas de libre asociación en que se acerca aún pueden revitalizar un misterio que de todos modos no pasará de moda.
Cada película rumana cuenta lo terrible que es vivir en Rumania, una tierra de gobierno corrupto, infraestructura pública disfuncional y aldeanos llenos de odio. La última película del ex ganador de la Palma de Oro Cristian Mungiu, quien sigue siendo el único director en el país en ganar el máximo galardón del festival, se centra en la entrega final. En una pequeña comunidad aislada en algún lugar de Transilvania, una olla a presión exclusiva está a punto de explotar cuando algunos inmigrantes de Sri Lanka llegan al pueblo para trabajar en una panadería local. La reacción de los residentes sonó como un torrente de conciencia racista que los estadounidenses entenderían como parientes cercanos de la ideología trumpista: vinieron a quitarnos nuestros trabajos (ninguno de ellos se molestó en tomar los suyos), querían reemplazarnos, son agentes de potencias extranjeras maliciosas. Unas imágenes impactantes tomadas durante una reunión del pueblo desatan un río de bilis, y la máscara de la lógica desciende lentamente a medida que los ciudadanos admiten que simplemente no quieren ver a nadie diferente.
Si eso suena como una batalla cuesta arriba miserable, hay suficiente fuego ideológico y una fotografía fría y magistral para cautivar incluso a los asistentes al festival más exhaustos. Mungiu nos lleva a través de bosques nevados y caminos de tierra, fotografiándolos todos de una manera distante que puede evocar imágenes de belleza con la misma facilidad que de fealdad. La trama es más florida de lo que el asedio político podría sugerir. Los osos son una parte importante de la historia, al igual que la interpretación de violonchelo de la dueña de una panadería. En el centro de una película con fuertes principios partidistas, ella también es parte de un dilema moral, y su altruismo hacia los inmigrantes podría ser una cortina de humo para explotar lo que en última instancia considera mano de obra barata. Nadie salió particularmente bien parado de esta película, un pesimismo fuerte e intransigente que no pudimos obtener de la producción cinematográfica de Hollywood, o de hecho, del circuito independiente estadounidense. Una América como esta nunca existirá, aunque las patologías nacionales son tan similares que bien podríamos mirarnos en un espejo roto.
Tomemos la sátira del mundo del arte, donde toda la rivalidad, el resentimiento insignificante y la desesperación absoluta están implícitos y reducidos a los términos de menor riesgo imaginables. Además, Michelle Williams es probablemente el mejor papel de su carrera. Luego, eliminemos tanta acción como el guion pueda sostener sin interrumpirlo, como si fuera para un público que encontró demasiado emocionante la película anterior de la directora Kelly Reichardt, "First Cow". Se llevó a cabo publicidad. Tal es la extensión de este delicado retrato de una mujer que enfrenta los límites de sus talentos en un campo que parece no tener nada que ver con ella. Williams interpreta a la problemática Lizzy Carr, una pequeña escultora en el ahora desaparecido Instituto de Artes y Oficios de Oregón, que intenta alinearse con la próxima exposición, pero lo que ve Las distracciones están por todas partes: su casero/amigo (Hong Chau, cada vez más el primero es mejor que el segundo) no le arregla el calentador de agua, una paloma herida necesita su constante cuidado y atención, la despreocupada La tranquila condescendencia del artista visitante la vuelve loca.
Pero el golpe de genialidad trágica de Reichardt reside en su sugerencia de que Lizzy tal vez no esté hecha para ello. Sus esculturas no son malas, no se queman por un lado cuando el horno calienta de forma desigual. Su padre (Judd Hirsch) es un alfarero muy respetado, su madre (Marian Plunkett) dirige el departamento y su hermano mentalmente inestable (John Magga Law) tiene la chispa de inspiración por la que Lizzie debe luchar. La exposición de la Galería Climax, aunque incluso usar la palabra "Climax" para describir una película tan resueltamente discreta y genial en el ambiente de la ciudad universitaria de la Costa Oeste, se desplegó como una farsa suave, los pequeños insultos de su vida se apilan unos contra otros mientras ella le sisea a su hermano que la deje descansar del queso gratis. Para Reichardt, la profesora de Bard desde hace mucho tiempo, la ironía de su propia aproximación es más conmovedora que cáustica, caracterizada por una cierta apreciación por cualquier entorno que permita a los excéntricos ambiciosos ser ellos mismos en su propio tiempo.
La mejor secuencia de créditos pertenece a este psicodrama de la directora polaca por excelencia, Agnieszka Smoczyńska, que debuta con éxito en inglés. Cada nombre se lee en voz alta y varias voces adolescentes comentan: "¡Oh, me encanta este nombre!". Por ejemplo, la cara sonriente de Michael aparece fugazmente en la pantalla. Y no es solo un buen detalle. Se trata de una introducción al universo de Lonely Island, creado y habitado por June (Leitia Wright) y Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, dos chicas negras que vivieron en Gales en los años 70 y 80. Refugiándose en su relación y sumiéndose en un estado de reticencia selectiva en un pequeño pueblo de mayoría blanca, su hermético aislamiento de su entorno las lleva finalmente al trágico caos del manicomio de Broadmoor. En esta narrativa auténtica, Smoczyńska y la autora Andrea Seigel exploran la inusual interioridad psicológica que comparten las chicas, imaginando cómo se sentirían esas experiencias extremas desde dentro.
Como debe ser para las chicas, la ruptura del realismo deslumbra de una manera que la monotonía de su vida cotidiana no puede igualar. Imágenes extremadamente arrugadas de stop-motion muestran figuras con cabezas de pájaro vagando a través de las dimensiones del papel crepé y el fieltro, y figuras musicales ocasionales transmiten el estado interior angustiado de las hermanas en un lenguaje declarativo, un coro griego. (Igual que el brillante espectáculo de Smoczyńska sobre la sirena asesina y la stripper, The Lure, de Polonia). June y Jennifer se imaginan entrando en un santuario saturado de color donde todo puede ser impecable, hasta que el golpe regresa a la vida real y nos quedamos en shock. En la realidad romántica, los atletas intentan realizar gimnasia con chicas protegidas después de animarlas. A medida que su situación conjunta se deteriora y los tribunales las separan, solo podemos ver fuerzas hostiles destruir sus refugios privados seguros, una serie de volteretas formales que surgieron en medio de comentarios sobre la falta de servicios de salud mental en el Reino Unido.
Mad Max ya es cosa del pasado, y George Miller regresa con este improbable cuento de hadas moderno sobre un hombre llamado Alicia Binney (Tilda Swinton, en plena forma) y el Genio (Idris Elba, resplandeciente y gigante) que ella acababa de liberar de la botella que había adquirido en el Bazar de Estambul el día anterior. Ya saben cómo va la cosa, él está aquí para cumplir sus tres deseos y dejarla usarlo como quiera, pero como ella también sabe cómo va la cosa, no está dispuesta a caer en algunas trampas "cuidadosas". Para convencerla de su buena voluntad, él ideó una historia fantástica de cómo pasó los últimos tres milenios, una extravagancia de CGI que en cualquier momento supera a la mayoría de los proyectos de estudio de su tipo durante toda su duración. Aún se puede invocar más imaginación. Desde el castillo de la Reina de Saba hasta la corte del Emperador Solimán el Magnífico, la magia, la intriga y la pasión recorren viajes por todo el antiguo Oriente Medio.
Pero este maravilloso viaje tiene un destino inesperado que culmina en la sutil historia de amor de estas dos personas de mentes afines y un tanto descarriadas. Rompen su soledad compartiendo la alegría de contar historias, y la estructura narrativa anidada de Miller los hace ir más allá. Como Alithea explicó en una charla en una conferencia académica cerca del comienzo de la película, inventamos mitos para dar sentido al desconcertante mundo que nos rodea, y Miller ha logrado una hazaña considerable al combinar este sentido de asombro con El sentido de invención trae conocimiento a un mundo moderno sofocado por la tecnología. Por supuesto, los cineastas no son luditas; los fanáticos de los efectos visuales quedarán cautivados por el astuto uso de adornos digitales y creaciones a gran escala, ya sea la impresionante secuencia de seguir una botella hasta el océano desde la garra de un pájaro, o transformarse en una araña al estilo Giger El combustible instantáneo para pesadillas del asesino mutante luego se disuelve en un charco de escarabajos.
Riley Keough se une a Gina Gammell en la silla del director para un comienzo auspicioso de la siguiente fase de sus carreras. (Los dos ya tienen otro proyecto conjunto en desarrollo). Han dejado de lado cualquier atisbo de vanidad de Hollywood, y la tribu Oglala Lakota se gana la vida en esta reserva neorrealista de Pine Ridge en Dakota del Sur. Pueden. Para el joven local Matho (LaDainian Crazy Thunder) y el mayor Bill (Jojo Bapteise Whiting), eso significa principalmente robar y vender drogas, traficar pequeñas cantidades de metanfetamina, trabajar horas en granjas y fábricas de pavos cercanas, o vender caniches para que jueguen más tiempo. Cuando no tienes dinero para hacer nada, no queda nada que hacer, un hecho que entienden la mayoría de las películas que se contentan con pasar el rato con jóvenes que solo buscan algo para llenar su tiempo libre.
Si esto suena como si los forasteros Keough y Gammell estuvieran romantizando demasiado la pobreza o yendo en la dirección opuesta de la explotación, piénselo de nuevo; después de los escritores Bill Reddy y Franklin Sue Bob Guiados por Sioux Bob) y un elenco de residentes de la vida real de Pine Ridge, entretejen hábilmente las difíciles puntadas tonales identificativas sin centrarse en tonos difíciles. Estos personajes tienen que lidiar con mucha mierda de los adultos que los rodean (el padre a veces abusivo de Mato, el jefe blanco de Bill), pero como los jóvenes en la vida real, una vez que pueden seguir pasando el rato y haciendo bromas, la miseria se les resbalará de las espaldas con sus amigos. Un clímax distante reafirma las intenciones más viles de la película de celebrar y empoderar a las personas marginadas por una sociedad dominada por blancos que las mira con desdén cuando las considera. Las mentes de dirección de Keough-Gammell están aquí para quedarse, y esperemos que también lo hagan sus carismáticos colaboradores, el actor laico de más alto perfil que hemos visto desde The Rider de Chloe Zhao.
Fecha de publicación: 2 de junio de 2022
