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El Festival de Cine de Cannes de este año, el primer año del festival de cine más admirado del planeta, ha producido muchas pequeñas grandes buenas y preciosas, y elijo atribuir esta insignificancia al cuello de botella inverso de COVID, suspendiendo los años de producción de 2020 que ahora se están reanudando. Para su humilde crítico, una lista ostensiblemente de primera línea puede haber producido una obra maestra (mirándolo a usted, la era apocalíptica de James Gray) y múltiples fracasos que van más allá de la mera maldad y se acercan a un asalto moral (aunque el drama de sufrimiento negro Tori y Lokita y el thriller de asesinato de trabajadoras sexuales Holy Spider inexplicablemente tienen sus partidarios). Tradicionalmente, estos premios se otorgan a las películas equivocadas, con la sátira de base amplia de Ruben Östlund, El triángulo de los dolores en 2017 con The Square. Entre las proyecciones más aterradoras en un festival de cine mediocre, estoy seguro de que el próximo año traerá sin duda éxitos de taquilla de directores de peso pesado.
Pero no sirve de nada quejarse, no cuando puedes contemplar con aire pensativo las olas color zafiro del Mediterráneo por la mañana e intentar no hacer el ridículo mientras charlas en un cóctel con Julianne Moore por la noche. En cuanto a la película en sí, las proyecciones paralelas ofrecen momentos destacados más destacados de lo habitual, como un asombroso viaje al interior del cuerpo humano (no me refiero a lo último de David Cronenberg, créelo o no) y una inmersión en la silueta psicológica de una exuberante fantasía. Algunas de las aproximadamente doce películas que se muestran a continuación ya han conseguido un acuerdo de estreno en salas de cine en Estados Unidos y se estrenarán en 2022; otros aún están por elegir y pueden ser los principales transmisores en la frenética oferta posterior a las vacaciones. (Te sorprendería saber cuántas de las mejores adquisiciones extranjeras de Netflix causan sensación en el Palacio de Festivales por primera vez). Sigue leyendo para conocer un desglose de los 12 estrenos más prometedores del soleado sur de Francia, donde los mejores Aproveche el tiempo todavía sentado en el interior, en la oscuridad, durante horas.
Después de llevar los problemas de su padre al límite del universo en "Astra", James Gray centra su atención en los padres y los hijos en un registro personal más sólido e inmediato mientras escribe estas memorias ficticias, una de sus obras más conmovedoras, que recrean las películas neoyorquinas de su infancia en quién sabe cuánto tiempo. El joven judío Paul Graff (Michael Banks Repeta, bastante descubierto) sueña con convertir algún día sus grafitis de cohetes en un gran mundo del arte, pero los desafíos de la vida cotidiana lo mantienen ocupado: sus padres (Anne Hathaway y Jeremy Strong, ambos en su mejor momento) que quieren que descanse en la escuela, un querido abuelo (Anthony Hopkins) que tiene mala salud y se transfiere a una universidad privada con fanáticos de los pasteles de Reagan en ella. Gray lo representa todo con gran detalle (él y su equipo construyeron una réplica a escala de su antigua casa en el estudio de sonido usando películas caseras y fotos antiguas), más conmovedor que el desgarrador monólogo debido a su intimidad. El sexo es más conmovedor que los monólogos desgarradores. Es como husmeando en la memoria de otra persona.
Crucialmente, sin embargo, Gray ve sus elecciones en miniatura a través de los ojos claros de los adultos. El núcleo moral de la película es sobre la clase: cómo afecta a Paul de formas sutiles que él no puede entender, y cómo sus padres lo afectan de maneras que preferirían ignorar o racionalizar. La amistad de Paul con una compañera de clase negra (Jaylin Webb) es dulce e ingenua, hasta que las circunstancias muy diferentes de sus vidas los empujan en direcciones opuestas, y la aparente culpa de Gray sugiere que este desacuerdo puede no ser tan pasivo. En cuanto a los padres, están constantemente sopesando sus principios y sus prácticas, abandonando las escuelas públicas que afirman no ser superiores y menospreciando a aquellos a los que dicen apoyar. Gray se niega a borrar las arrugas inquietantes de un pasado imperfecto, y la honestidad es la clave de la hermosa verdad en cada cuadro de este paseo por el sendero de la memoria claramente observado.
Como el título más candente del festival, el regreso de David Cronenberg a su reino del horror corporal se siente como un regreso en un sentido más amplio: un gran hombre nacido del Monte Olimpo Artista, recordando cómo lo hacen todos estos impostores y farsantes. Viggo Mortensen y Léa Seydoux interpretan a un par de artistas de performance con una actuación espeluznante: ella manipula el control remoto de una máquina quirúrgica, abriendo la puerta a los espectadores con vestidos y esmóquines, eliminando los horribles nuevos órganos que su cuerpo ha producido. Síndrome de evolución acelerada. Como la primera película de artista no metafórica de Cronenberg, es a la vez tentador y satisfactorio proyectar su propia visión del status quo del cine degenerado y débil sobre sus personajes y sus posiciones (¡muchas de sus orejas injertadas ni siquiera pueden escuchar!) Imitadores permanentes que venden imitaciones de su estilo.
Pero incluso después de un paréntesis de ocho años, Cronenberg sigue tomando clases solo. Sus métodos se están volviendo más extraños y alejados del rango de géneros heterosexuales en los que algunos fanáticos quieren que encaje. Todos (especialmente el bromista Timlin de Kristen Stewart) hablan con frases barrocas o pasajes teóricos; "Contagio, ¿qué les pasa?" es un favorito instantáneo. La textura de la película tiene un brillo plástico reflectante antinatural, adecuado para una escena de apertura con un niño comiendo en una papelera. El mundo del mañana está literal y mentalmente desnutrido, las playas griegas están llenas de barcos oxidados con un ligero sabor distópico y los materiales sintéticos son nuestra fuente definitiva de alimento. Increíblemente, Cronenberg estaba profundizando en la vida real al escribir este guion antes de su reciente artículo en The Guardian sobre los microplásticos, pero sus predicciones solo se volverán más potentes a medida que el planeta se deslice más hacia sus años crepusculares. En cambio, podría seguir adelante para siempre.
Hablando de cuerpos y su aterrador potencial para comportarse de maneras impredecibles y repugnantes: este documental del Laboratorio de Etnografía Sensorial de Harvard (nos brinda el viaje de cabeza de pesca en alta mar Leviatán) Una mirada sin precedentes al resbaladizo y viscoso país de las maravillas que damos por sentado todos los días en varios hospitales alrededor de París. Los directores Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor facilitan el desarrollo de nuevas cámaras en miniatura capaces de capturar imágenes de mayor fidelidad del intestino delgado y el lumen rectal, discriminando la diferencia entre la geometría pura de vanguardia y la intensidad visceral que escapa al teatro. Sí, nunca puedes olvidar la escena de la sonda uretral donde una larga varilla de metal se configura en "modo Kalashnikov" y se estrella contra la uretra de una persona, o ver una aguja perforar el iris del hombre más valiente que jamás haya limpiado un globo ocular en la tierra. Pero si eres como yo, que vas a ver cada nueva película buscando mostrar algo que nunca has visto antes, no hay mejor garantía que eso.
Además, no se trata de una simple explotación burda. Aprendimos que las funciones del hospital en sí son tan complejas e interconectadas como el cuerpo humano, con varios órganos trabajando en armonía. Durante la estimulación prostática, escuchamos a un cirujano regañar a sus enfermeras y auxiliares por problemas que escapan a su control, un guiño a la falta de fondos y personal que tanto preocupa a los estadounidenses en este momento. Paravel y Castaing-Taylor se interesaron mucho por las actividades básicas de estas grandes instituciones, y las imágenes más emocionantes provienen del punto de vista de una cápsula de transferencia de archivos que viaja a través de una red de tubos neumáticos que cruzan el edificio a gran velocidad. La secuencia final de baile, perfectamente ambientada en "I'll Survive", es como un homenaje a lo que una persona común piensa de la clase trabajadora, como su propio corazón latiendo involuntariamente, algo invisible para la continuación de la vida. Esencial hasta que nos detenemos a pensar en lo maravilloso que es poder seguir adelante.
EO (pronunciado ee-aw, te recomiendo de corazón que lo digas en voz alta unas cuantas veces ahora) es un burro y, bueno, un muy buen chico. La primera película en siete años del gurú polaco de 84 años Jerzy Skolimowski sigue al burro que no se da por vencido mientras hace cosas en el campo, principalmente sobreviviendo y presenciando la terrible experiencia. Si esto suena como una parodia de la profunda sofisticación de la academia de arte europea (después de todo, es una nueva versión libre del clásico de 1966 Au Hasard Balthazar), no te desanimes por el minimalismo frío. Es un festín puro, tan relajante y meditativo como el lago helado, con una toma asombrosa colgando boca abajo, transformando los árboles en rascacielos marcadamente reflectantes. Un juego de cámara expresivo e impresionante anima esta maravilla de 88 minutos, intercalada regularmente con luces estroboscópicas de estilo EDM y experimentos con bisagras rojas.
Nadie subestima el encanto básico de la propia estrella de cuatro patas, unida por seis actores animales en su pureza cristiana sin adornos. EO come zanahorias. EO se encuentra con algunos hooligans del fútbol que creen que la hierba que lo llena de cerveza y escopetas será un gas venenoso. ¡EO mató a un hombre! (Aquí viene. Ningún jurado lo condenará). Es difícil no amar a EO, o dedicarse a las desventuras del vagabundo donde deambula principalmente como un observador distante. Tomados en su conjunto, los diversos episodios de la película pintan una imagen de Polonia en una crisis espiritual, desde la irreprochable Isabelle Huppert como una madrastra cachonda hasta un sacerdote despedido inesperadamente manifestado. Pero es igualmente fácil entregarse a la energía calmante que emana de nuestro nuevo héroe burro, y al paisaje natural por el que nos conduce lenta pero seguramente. Por siempre EO.
Después de recibir algunos elogios de la crítica y miles de fanáticos por su trabajo en "Normal", Paul Mezcal ha protagonizado Anna Ross Holmer y Sarah Davis desde 2016. , la primera película poco conocida desde The Fits presenta un argumento convincente para su propio estatus de estrella de cine. Con un encanto desenfadado, el pródigo de Mezcal, Bryan, esconde las cosas desagradables que se esconden debajo mientras regresa al pueblo pesquero irlandés que abandonó hace años para comenzar de nuevo en Australia. Quería volver a la actividad de recolección de ostras de la ciudad dominada por la fábrica de mariscos local, por lo que persuadió a su madre, que trabajaba allí (Emily Watson, que ofreció un gran espectáculo en el festival), para que diseñara algunas trampas para él. Ella confía en que él no puede hacer nada malo y está feliz de aceptar su pequeño plan, su ligera relajación de la moral que pronto se pondrá a prueba con apuestas más altas.
Entonces sucedió algo horrible, mejor mantenerlo en secreto, enfrentando a las dos estrellas entre sí en una exhibición de actuación inusualmente profunda, con Watson brillando mientras sospecha que preferiría comérselo. Davies y Holmer (el devastador guión de Shane Crowley y Fodhla Cronin O'Reilly guió su impresión de Irlanda) dejan que la presión osmótica aumente y aumente hasta una intensidad insoportable, ardiendo en un clímax impactante. Eso nos deja con preguntas inquietantes sobre cómo nos comportamos en la misma situación. Mientras tanto, podemos disfrutar de la hermosa cinematografía de Chayse Irvin, encontrando fuentes de luz inteligentes en muchas escenas nocturnas y un brillo rugoso en la luz gris del día. Hace todo lo posible para filmar todas las aguas ominosas y prohibitivas que giran en torno a este drama moral, un vacío completamente negro que se extiende hasta el infinito, como las profundidades del alma humana, sin concesiones ni piedad.
Sería una tontería que Netflix no se hiciera con el debut como director de Lee Jung-jae, mejor conocido por protagonizar su éxito de taquilla "El juego del calamar". (¡Ponlo en tu tubo de Sinergia Algorítmica y fúmatelo!) Ambicioso, serpenteante, histéricamente violento, toca muchos de los botones que Big Red N ama en sus otros originales posteriores a los hechos, y utiliza una escala lo suficientemente grande como para explotar la pantalla chica en la que algún día podría vivir. La épica de espionaje tiene lugar en un momento particularmente tumultuoso en la historia de Corea del Sur, cuando una dictadura militar reprimió a los manifestantes y sus cráneos y las tensiones estallaron nuevamente con su hostil vecino del norte. En medio del caos, estalló un juego del gato y el ratón dentro de la CIA de Corea del Sur, con el jefe del departamento exterior (Lee Jung-jae, en servicio simultáneamente) y el jefe del departamento nacional (Jung Woo-sung, que ya ha aparecido en tal situación) en el drama web. “Steel Rain” e Irán: La Brigada del Lobo) compiten para encontrar a los topos que ambos creen que se esconden en el equipo contrario.
A medida que su investigación atraviesa una serie de pistas falsas y callejones sin salida, que culminan en un complot para asesinar a un presidente, dos agentes de élite intercambian ideas para ascender a un plano en modo dios. No puedo enfatizar lo suficiente la gran cantidad de muertes en las dos horas y media de duración de la película, como si Lee estuviera obligado por contrato a hacer estallar al menos a 25 personas en cada escena. Orquesta estas sinfonías de carnicería con la experiencia de la vieja escuela, manteniendo el CGI al mínimo y maximizando los paquetes de petardos en tal cantidad que la industria sigue siendo rentable en los años venideros. Los guiones laberínticos exigen cada grano de su atención, y las demandas de tiempo de ejecución son tan altas, pero los que no se dejan llevar por la convolución pueden saborear las muestras inusualmente ásperas en las imágenes espía. (Y los que se pierden aún pueden bañarse en sangre).
Es una película realmente extraña, hombre: el próximo documental de David Bowie de Brett Morgan para HBO ni siquiera puede encajar en esta simple descripción, es más como un collage rápido de imágenes y referencias, como un sistema solar que gira alrededor de un El músico más fascinante de la historia. Los minutos de apertura pasan por una serie de collages de clips que presentan no solo al extraterrestre del rock artístico, sino también cualquier pista que pueda darnos todo su indescriptible trasfondo gestual. Además del video de "Ashes to Ashes" o la presentación en vivo de "All the Young Dudes", también podemos capturar indicios de clásicos del cine mudo como Nosferatu (un forastero desgarbado temido por los cuadrados ordinarios), Metropolis (un Bowie en el minimalismo industrial alemán de Berlín favorecido por la época), o el Dr. Mabus el jugador (otro artefacto de Weimar sobre un hombre que puede hechizar a su audiencia). Incluso si estas conexiones parecen frágiles, podemos hacerlas significativas y sacar cualquier conocimiento que derivemos de estas pruebas de Rorschach de la cultura pop.
A medida que la película avanza a través de sus ciertamente extra largas dos horas, pasa de lo experimental a la rutina. La primera hora se centra en temas generales como la bisexualidad de Bowie o sus sensibilidades sartoriales, y el resto están ordenadas cronológicamente, llevándonos a través de las estancias en Los Ángeles y Alemania Occidental, su relación con la supermodelo de un solo nombre Iman marriage, y su punto de inflexión en los años 90 fue el populismo. (Sin embargo, su flirteo con la cocaína se omite respetuosamente). Estas secciones proporcionan un curso intensivo útil para los novatos de Bowie, y para aquellos que ya son competentes, es una revisión de algunas de las salchichas heladas que hace de buena manera. La cobertura completa de 5 años de Morgan de una estrella de rock no tiene muchas revelaciones importantes, pero las formas de asociación libre que aborda aún pueden revitalizar un misterio que de todos modos no pasará de moda.
Cada película rumana cuenta lo terrible que es vivir en Rumania, una tierra con un gobierno corrupto, una infraestructura pública disfuncional y aldeanos que están llenos de odio. La última película del anterior ganador de la Palma de Oro, Cristian Mungiu, quien sigue siendo el único director del país en ganar el máximo galardón del festival, se centra en la última entrega. En una pequeña comunidad aislada en algún lugar de Transilvania, una olla a presión exclusiva corre el peligro de explotar una vez que algunos inmigrantes de Sri Lanka llegan a la ciudad para trabajar en una panadería local. La reacción de los residentes sonó como una corriente de conciencia racista que los estadounidenses entenderían como parientes cercanos de la ideología trumpista: vinieron a tomar nuestros trabajos (ninguno de ellos se molestó en tomar los suyos), querían reemplazarnos, son agentes de potencias extranjeras maliciosas. Unas impresionantes imágenes únicas durante una reunión de la ciudad desatan un río de bilis, y la máscara de la lógica desciende lentamente a medida que los ciudadanos admiten que simplemente no quieren ver a nadie diferente.
Si eso suena como una miserable batalla cuesta arriba, hay suficiente fuego ideológico y una fotografía fresca y magistral para cautivar incluso a los asistentes al festival más exhaustos. Mungiu nos lleva a través de bosques nevados y caminos pavimentados de tierra, fotografiándolos todos de una manera distante que puede evocar imágenes de belleza con la misma facilidad que la fealdad. La trama es más florida de lo que el asedio político podría sugerir. Los osos son una gran parte de las cosas, como lo es la interpretación del violonchelo del dueño de una panadería. En el centro de una película con fuertes principios partidistas, también es parte de un dilema moral, y su altruismo hacia los inmigrantes podría ser una cortina de humo para explotar lo que ella finalmente ve como mano de obra barata. Nadie salió particularmente bien parado de esta película, un pesimismo fuerte e inflexible que no podríamos obtener de la producción cinematográfica de Hollywood, o por cierto, del circuito independiente estadounidense. Una América como esta nunca existirá, aunque las patologías nacionales son tan similares que bien podríamos mirarnos en un espejo roto.
Tomemos la sátira del mundo del arte, donde toda la rivalidad, el resentimiento insignificante y la desesperación absoluta están implícitos y reducidos a los términos de menor riesgo imaginables. Además, Michelle Williams es probablemente el mejor papel de su carrera. Luego elimine tanta acción como el guión pueda sostener sin interrumpirlo, como para un público que encontró demasiado emocionante el largometraje anterior del director Kelly Reichardt, "First Cow". Se llevó a cabo una campaña publicitaria. Tal es la longitud de este delicado retrato de una mujer que enfrenta los límites de su talento en un campo que parece no tener nada que ver con ella. Williams interpreta a la problemática Lizzy Carr, una pequeña escultora del ahora desaparecido Instituto de Artes y Oficios de Oregón, que intenta alinearse con la próxima exposición, pero lo que ve son distracciones por todas partes: su propietario/amigo (Hong Chau, cada vez más el primero es mejor que el segundo) no arregla su calentador de agua, una paloma herida necesita su constante cuidado y atención, la tranquila condescendencia del artista visitante la vuelve loca.
Pero el golpe de genio trágico de Reichardt reside en su sugerencia de que Lizzy podría no ser apta para ello. Sus esculturas no son malas, no se queman de un lado cuando el horno se calienta de forma desigual. Su padre (Judd Hirsch) es un alfarero muy respetado, su madre (Marian Plunkett) dirige el departamento y su hermano mentalmente inestable (John Magga) Law) tiene la chispa de inspiración por la que Lizzie debe luchar. La exposición de la Galería Climax, aunque incluso utiliza la palabra "Climax" para describir una película tan decididamente discreta y fresca en el ambiente de la ciudad universitaria de la Costa Oeste, se desarrolla como una farsa suave, los pequeños insultos de su vida se apilan uno contra el otro mientras le silba a su hermano para que la deje relajarse del queso gratis. Para Reichardt, la profesora de Bard desde hace mucho tiempo, la ironía de su propia aproximación es más conmovedora que cáustica, caracterizada por una cierta apreciación por cualquier entorno que permita a los excéntricos ambiciosos ser ellos mismos en su propia tiempo.
La mejor secuencia de créditos pertenece a este psicodrama del secreto mejor guardado de Polonia, Agnieszka Smoczyńska, que hace su primera incursión con éxito en el inglés. Cada nombre es leído y luego comentado por varias voces adolescentes, murmurando "¡Oh, me encanta este nombre!". Por ejemplo, la cara sonriente de Michael aparece en la pantalla. Y no es solo un buen punto. Esta es una introducción al universo de Lonely Island creado y habitado por June (Leitia Wright) y Jennifer (Tamara Lawrence) Gibbons, un par de chicas negras que literalmente vivieron en Gales en los años 70 y 80. Refugiándose en su relación y cayendo en un estado de reticencia selectiva en un pequeño pueblo completamente blanco, su aislamiento hermético de su entorno finalmente las lleva al trágico caos del Asilo Broadmoor. En esta narrativa auténtica, Smoczyńska y la autora Andrea Seigel exploran la inusual interioridad psicológica que comparten las chicas, imaginando cómo podrían sentirse esas experiencias extremas de adentro hacia afuera.
Como debe ser para las chicas, la ruptura del realismo deslumbra de una manera que la monotonía de su vida cotidiana no puede igualar. Imágenes en stop-motion extremadamente arrugadas muestran figuras con cabezas de pájaro deambulando por las dimensiones del papel crepé y el fieltro, y figuras musicales ocasionales transmiten el angustiado estado interior de las hermanas en un lenguaje declarativo, un coro griego. (Igual que el brillante espectáculo de strippers de sirenas asesinas de Smoczyńska, The Lure, de Polonia). June y Jennifer se imaginan entrando en un santuario saturado de color donde todo puede ser perfecto, hasta que el choque regresa a la vida real y nos quedamos en shock. En la realidad romántica, los atletas intentan hacer gimnasia con chicas protegidas después de animarlas. A medida que su situación conjunta se deteriora y los tribunales las separan, solo podemos ver fuerzas hostiles destruyendo sus refugios privados, una serie de volteretas formales que surgieron en medio de comentarios sobre la falta de servicios de salud mental en el Reino Unido.
Mad Max ya está en su espejo retrovisor, y George Miller está de vuelta con este improbable cuento de hadas moderno sobre un hombre llamado Alicia Binney (Tilda Swinton, en su mejor momento) y el Genio (Idris Elba, Resplandeciente y Gigante) que acababa de liberar de la botella que había adquirido en el Bazar de Estambul el día anterior. Ya sabes cómo funciona: él está aquí para cumplir sus tres deseos y dejar que los use como quiera, pero como ella también conoce el procedimiento, no está dispuesta a caer en algunas trampas "cautelosas". Para convencerla de su buena voluntad, inventó una fantástica historia de cómo pasó los últimos tres milenios, una extravagancia CGI que en cualquier momento dado supera a la mayoría de los proyectos de estudio de este tipo a lo largo de toda su trayectoria. Se puede convocar más imaginación. Desde el castillo de la Reina de Saba hasta la corte del Emperador Solimán el Magnífico, la magia, la intriga y la pasión atraviesan viajes por todo el antiguo Oriente Medio.
Pero este maravilloso viaje tiene un destino inesperado que culmina en la sutil historia de amor de estas dos personas descarriadas con ideas afines. Rompen su soledad al compartir la alegría de contar historias, y la estructura narrativa anidada de Miller los hace ir más allá. Como explicó Alithea en una charla en una conferencia académica cerca del comienzo de la película, inventamos mitos para dar sentido al mundo desconcertante que nos rodea, y Miller ha logrado una hazaña considerable al combinar esta sensación de asombro con La sensación de invención trae conocimiento a un mundo moderno sofocado por la tecnología. Por supuesto, los cineastas no son luditas; los adictos a los efectos visuales estarán cautivados por el uso astuto de los adornos digitales y las creaciones a gran escala, ya sea el metraje impresionante de seguir una botella al océano desde la garra de un pájaro o transformarse en una araña Gigeresca. El combustible de pesadilla instantánea del asesino mutante luego se disuelve en un charco de escarabajos.
Riley Keough se une a Gina Gammell en la silla del director para un inicio auspicioso para la siguiente fase de sus carreras. (Los dos ya tienen otro proyecto conjunto en proceso). Han ignorado cualquier indicio de vanidad de Hollywood, y la tribu Oglala Lakota se gana la vida en esta reserva neorrealista de Pine Ridge en Dakota del Sur. Para el niño local Matho (LaDainian Crazy Thunder) y el mayor Bill (Jojo Bapteise Whiting), eso significa principalmente robar y vender drogas, traficar pequeñas cantidades de metanfetamina, registrar horas en granjas y fábricas de pavos cercanas, o caniches vendidos por cría para jugar el juego por más tiempo. Cuando no tienes dinero para hacer nada, no queda nada que hacer, un hecho que entienden la mayoría de las películas que se contentan con pasar el rato con gente joven, que solo buscan algo para llenar su tiempo libre.
Si esto suena como si los forasteros Keough y Gammell estuvieran romantizando excesivamente la pobreza o moviéndose en la otra dirección de la explotación, piénselo de nuevo; después de los escritores Bill Reddy y Franklin Sue Bob (Guiados por Sioux Bob) y un elenco de residentes de la vida real de Pine Ridge, hábilmente enhebran puntadas tonales difíciles sin centrarse en tonos difíciles. Estos personajes tienen que lidiar con mucha mierda de los adultos que los rodean (el padre ocasionalmente abusivo de Mato, el jefe blanco de Bill), pero como los jóvenes en la vida real, una vez que pueden seguir pasando el rato y haciendo bromas, la miseria se les caerá de las espaldas con sus amigos. Un clímax distante reafirma las intenciones más viles de la película de celebrar y empoderar a las personas marginadas por una sociedad dominada por los blancos que los ve con desdén cuando los considera. Los cerebros directores de Keough-Gammell están aquí para quedarse, y con suerte también lo harán sus carismáticos colaboradores, el actor laico de más alto perfil que hemos visto desde The Rider de Chloe Zhao.
Hora de publicación: 02-jun-2022
